Këtë vit, pas një sërë vonesash, shumë nga ekspozitat më të pritura të viteve të fundit përkuan, duke rezultuar në një bollëk arti për t’u parë. Kryesorja mes tyre ishin shfaqjet e përsëritura, si Bienalja e Venecias në Itali dhe Documenta 15 në Kassel, Gjermani, të cilat joshën qindra mijëra vizitorë me premtimin e artit të fundit.
Por, krahas atyre festivaleve të artit, që prireshin të vinin në qendër të vëmendjes, një sërë sondazhesh dhe retrospektiva vazhduan të shtynin kufijtë e kanunit dhe të prezantonin figura të reja, duke e ndërlikuar ndërkohë studimin e artistëve të njohur. Shumë prej këtyre shfaqjeve janë ende duke udhëtuar dhe do të vazhdojnë të riformësojnë historinë e artit ndërsa shkojnë në vende të reja.
Më poshtë, keni një vështrim të disa ekspozitave që përcaktuan vitin 2022, që sipas Art News, janë gjithsej 25 ekspozita.
“Khaleej Modern: Pioneers and Collectives in the Arabian Peninsula”, në Galerinë e Arteve në NYU Abu Dhabi
Studimi i parë i modernizmit në Gjirin Arabik, i cili përfshin Bahreinin, Kuvajtin, Omanin, Katarin, Arabinë Saudite dhe Emiratet e Bashkuara Arabe, përfshiu rreth 60 vepra duke filluar nga vitet 1940.
Bërja e një historie nga këto vepra – të cilat përfshijnë pikturën, skulpturën dhe instalimin, si dhe mediumet më idiosinkratike – nuk ishte një ndërmarrje e vogël.
Ekipi kuratorial, i udhëhequr nga studiuesja nga Omani Aisha Stoby, me ndihmën e Tala Nassar, shkoi në një lloj gjueti thesari përmes arkivave të ndotura, koleksioneve private dhe institucioneve të largëta, ndërsa zbuloi misteret qendrore të shfaqjes.
Këto u vendosën për grupime tematike që ilustrojnë se si lëvizjet e artit transmetohen mbi tokë dhe shndërrohen nga gjuhët, vlerat dhe peizazhet. Ishte një rast i mrekullueshëm për çlirimin e modernizmit nga përvojat miope të artistëve Global North, dhe lejimin e një pluraliteti modernizmi të përcaktuar nga kontekstet e tyre. Shfaqja përfundon në të tashmen, duke sugjeruar se një epilog nuk duket askund. — shkruar nga redaktorja Tessa Solomon
“Just Above Midtown: Changing Spaces” në Muzeun e Artit Modern, Nju Jork
Teksti i shkruar drejtpërdrejt në murin e galerisë në mes të ekspozitës MoMA, ekspozita përcjell në mënyrë të përmbledhur zhvillimin praktik të këtyre dy institucioneve – njëri kushtuar artit të zi dhe eksperimentimit, tjetri filloi të mbledhë dhe përcaktojë artin modern.
JAM, siç vë në dukje kolona e majtë, “u hap në 1974 në një hapësirë 724 sq ft të marrë me qira në 57th St”, ndërsa MoMA, sipas kolonës së djathtë, u hap në 1929.
Nga ky vend i përbashkët, shtigjet e tyre ndryshojnë – Linda Goode Bryant akumuloi borxhe pasi i jepte përparësi nevojave të artistëve mbi kërkesat e shitjeve dhe qirave, ndërsa MoMA mbështetej nga administrues të pasur të bardhë.
Grafiku lë shumë të pathëna, por meritat e artistëve të ekspozuar nga Bryant nuk vihen në pikëpyetje ndërsa ecën nëpër dhoma me vepra arti tashmë ikonike nga David Hammons, Senga Nengudi dhe Lorraine O’Grady së bashku me gurët e çmuar nga Camille Billops, Walter C. Jackson dhe Jeanne Moutoussamy-Ashe. Fotot arkivore dhe efemerët përcjellin shtrirjen dhe shpikshmërinë e programit të galerisë. — shkruar nga redaktorja Mira Dayal
“Denyse Thomasos: just beyond” në Galerinë e Arteve të Ontarios, Toronto
Denyse Thomasos, një artiste trinidado-kanadeze e cila vdiq në moshën 47-vjeçare në vitin 2012, ishte një yll surprizë i Bienales së Whitney, pasi ajo kurrë nuk pati një ndjekës të madh gjatë jetës së saj në Nju Jork, ku ishte vendosur në kohën e vdekjes së saj.
Gjërat janë pak më ndryshe në Kanada, ku abstraksionet e saj madhështore kanë fituar interes të ri pasi artistët zezakë të panjohur nga e kaluara e vendit kanë marrë një vështrim të dytë, dhe këtë vit, Galeria e Arteve e Torontos në Ontario organizoi një retrospektivë të Thomasos me veshje të plotë. (Kuruar nga Renée van der Avoird, Sally Frater dhe Michelle Jacques, do të shkojë gjithashtu në Remai Modern në Saskatoon).
Në pamje janë një përzgjedhje e kanavacave të gjera të Thomasos që shqyrtojnë format e izolimit, historitë e skllavërisë dhe diasporat. Shumë prej veprave në ekspozitë ishin shfaqur rrallë, dhe nëse do të ishin shfaqur, sigurisht që nuk ishte brenda kontekstit të shumë prej arteve të tjera të saj.
Edhe në një kohë kur artistët e supozuar të rizbuluar thirren vazhdimisht për të folur me të tashmen, kjo ekspozitë e Thomasos ndihet ndryshe—ajo mundësi e rrallë dhe e veçantë për të shkruar një figurë të merituar në kanun. – shkruar nga redaktori Alex Greenberger
“The Milk of Dreams” në Bienalen e Venecias, Itali
Pothuajse çdo ekspozitë kryesore e Bienales së Venecias ka tentuar të anojë drejt një mbipërfaqësimi të artistëve meshkuj – deri më tani. “The Milk of Dreams”, shfaqja e Cecilia Alemani-t për të shtyrë kufijtë për këtë edicion, e kundërshtoi atë prirje, me rreth 90 për qind të ekspozitës prej 213 personash kushtuar grave ose artistëve jokonform gjinor.
Duke marrë emrin nga një shkrim i artistes surrealiste Leonora Carrington, shfaqja anketoi një gamë të gjerë artistësh që po parashikojnë botë fantastike që nxisin një lidhje më të ngushtë midis njerëzimit dhe botës natyrore. Komunitetet queer lulëzuan në këto universe alternative dhe protesta dekoloniale mori përparësi.
Ky ishte një shfaqje që dukej se ofronte një surprizë të këndshme në çdo hap: një instalim labirint i tokës aromatike, mirësjellje e Delcy Morelos; Skulpturat e pjerrëta dhe shtrënguese të Mire Lee-s që pikojnë me silikon të lëngshëm; Filmi i Zheng Bo-s i njerëzve që kurvëruan me pemë; një grup pikturash të njerëzve që mbijnë vresht të rrjedhshëm nga Felipe Baeza; dhe shumë më tepër.
Alemani i shtoi këto prezantime bashkëkohore me disa mini-show që paraqesin një mori femrash surrealiste që kanë nevojë për vëmendje shumë më të madhe, duke sugjeruar që ne nuk mund ta imagjinojmë të ardhmen pa marrë parasysh se si artistët e së kaluarës i parashikuan vitet në vijim. Në një det bienalesh me ndjesi të ngjashme, spikati kjo Bienale e Venecias. Plus, ishte e çuditshme, qesharake dhe vërtet e çuditshme, dhe nuk mund ta thuash këtë për shumë shfaqje të tjera që po viheshin në skenë kudo këto ditë.- shkruar nga redaktori, Alex Greenberger
“No existe un mundo poshuracán: Puerto Rican Art in the Wake of Hurricane Maria” në Muzeun Whitney, Nju Jork
Duke marrë titullin nga një varg në koleksionin e poezive të Raquel Salas Rivera-s ndërsa ata flenë (nën shtrat është një vend tjetër) , kjo ekspozitë novator shikon prodhimin artistik të artistëve portorikanë, si ata që jetojnë në ishull ashtu edhe diaspora e tij, në pesë vite që kur Uragani Maria goditi Porto Rikon.
Por, Uragani Maria është thjesht një pikë kthese, një pikë që përforcon më tej çështje të tjera ndërthurëse, nga korrupsioni i qeverisë dhe infrastruktura e dështuar te investimet e huaja dhe industria e turizmit, që kanë prekur prej kohësh koloninë më të vjetër në botë. Ekspozita është një deklaratë prekëse dhe e fuqishme se si artistët portorikanë kanë mbijetuar dhe rezistuar, në proces duke krijuar forma të reja të komunitetit, protestës dhe artit. – shkruar nga redaktori Maksimiliano Duron
“Black Melancholia” në Muzeun e Artit CCS Bard Hessel, Annandale-on-Hudson, Nju Jork
Një shfaqje me të vërtetë tingëlluese në grup është një gjë e rrallë në institucione, dhe kështu është edhe më e këndshme kur ndeshesh me një shfaqje aq idiosinkratike dhe perceptuese si “Melankolia e zezë” e historianes së artit Nana Adusei-Poku, një studim se si trishtimi është ndjerë nga anëtarët e komunitetit të zi gjatë dy shekujve të fundit.
Për të menduar për një temë të tillë epike, Adusei-Poku renditi vetëm 38 vepra, pothuajse asnjëra prej të cilave nuk është e famshme. Ofertat përfshinin një pikturë të vitit 1885 të një oqeani me hënë nga Edward Mitchell Bannister në vepra të reja xhami që përfshinin fotografi nga skulptorja e re premtuese Charisse Pearlina Weston.
Asnjë mandat estetik nuk mbizotëronte këtu dhe kjo ishte shumë e rëndësishme. Në fund të fundit, trauma nuk shprehet vetëm në një formë. – e shkruar nga redaktori Alex Greenberger