Në vitin 2019, një shtëpi e madhe e modës italiane lançoi një koleksion fustanesh dhe fundesh maxi në puplin pambuku, me tehe të gjera me printime etnike të kundërta të vorbullave të veçanta dhe formave të yjeve. Vetëm nëse do të kishit vizituar komunitetet e vogla Oma në veri të Laosit, do të kishit vënë re se dizenjot ishin thjesht printime dixhitale të veshjeve tradicionale të fisit: veshje me dorë, të lyera me indigo, me aplikim dhe qëndisje të gjallë. Lauren Ellis, në atë kohë një punonjëse e Qendrës së Arteve Tradicionale dhe Etnologjisë, kishte.
“Ata i kishin kopjuar saktësisht modelet,” i tha ajo Laotian Times .
“Nuk mund ta besoja se kjo markë e madhe do të shiste dizajne të tilla të vjedhura në mënyrë flagrante”, shtoi ajo.
Duke punuar me Oma-në, qendra nisi një fushatë duke theksuar situatën.
“Tekstilet e punuar me dorë të Oma janë jashtëzakonisht të detajuara, duke marrë një sasi të madhe kohe, aftësi dhe durim,” tha bashkëdrejtoresha Tara Gujadhur për BBC-në.
“Të shohësh ato të reduktuara në një model të printuar në një veshje të prodhuar në masë është zemërthyer”.
Dr Marie-Pierre Lissoir, etnomuzikologu dhe studiuesi i qendrës, shtoi: “Komunitetet dhe traditat e tyre janë në ndryshim të vazhdueshëm. Ata përshtaten dhe frymëzohen nga kulturat e tjera”.
” Megjithatë, ky nuk ishte rasti që një markë të frymëzohej nga motive dhe t’i riinterpretonte ato”, thotë ajo.
“Ata thjesht skanuan një pjesë të punuar me dorë dhe e printuan në rroba pa përmendur as ekzistencën e komunitetit Oma. Ky nuk është vlerësim kulturor. Ky nuk është interpretim krijues”, theksoi ajo.
Industria e modës nuk është e huaj për polemika të tilla. Vetëm një vit më parë, fushata e D&G e cila tregonte një modele kineze që përpiqej të hante pica me shkopinj çoi në një shpërthim zemërimi në platformën e mediave sociale të Kinës Weibo dhe një falje publike nga dizajnerët. Jetët para pandemisë, para-Black Lives Matter, shtëpia e modës Comme des Garçons u hodh në detyrë pasi modelet e bardha mbanin paruke të asaj që dukej si gjilpërë gjatë shfaqjes së saj për meshkuj vjeshtë/dimër 2020. Dhe sigurisht, ekziston një tendencë e vazhdueshme në festivalet muzikore për veshjet fisnore, duke përfshirë veshjet e kokës së vendasve amerikanë, në një përpjekje për të majmunit mistikun e fiseve indigjene, qoftë edhe për një fundjavë.
Pse ka rëndësi shqetësimi ynë për përvetësimin kulturor? Dizajnerët dhe artistët kanë marrë frymëzim nga njëri-tjetri për mijëvjeçarë. Ndërprerja e furnizimit me gjak të shkëmbimeve krijuese dhe komuniteteve do të lihej, jo vetëm me një gamë më të vogël idesh, por edhe me pamje shumë më të ngushta të botës dhe mënyrave të tjera për të qenë në të. Plus, ndryshimi midis përvetësimit kulturor dhe vlerësimit mund të jetë i hollë; në fund të fundit, pse të kopjoni diçka nëse nuk ju pëlqen?
Megjithatë, për shumë komentues kulturorë, natyra e marrëdhënies vazhdon të jetë problematike. Tamsin Blanchard është kuratore e Fashion Open Studio, një iniciativë e grupit të fushatës Fashion Revolution që shfaq punën e stilistëve etikë. Këtë vit, duke punuar me Not Enough, një kolektiv grash të Amerikës së Jugut që shikojnë sesi arti dhe dizajni kanë punuar për të përjetësuar kolonializmin, Fashion Open Studio është bashkë-kuratore e Bienales prestigjioze State of Fashion në Arnhem.
“Tradicionalisht, dizajnerët u mësuan në shkollat e modës të zgjidhnin dhe të përziejnë nga bota përreth tyre, qoftë nga një ekspozitë arti, filmi, bota natyrore ose kultura dhe trashëgimia e komuniteteve globale,” reflekton Blanchard.
“Të gjithë jemi tërhequr nga një copë qëndisje e shkëlqyer, një tekstil shumëngjyrësh apo edhe një stil veshjeje që mund të ketë origjinën nga një trashëgimi tjetër. Por ky mentalitet i magjisë, ku e gjithë kultura dhe historia janë për t’u rrëmbyer si ‘frymëzim ’, është përshpejtuar që nga përhapja e mediave sociale”, vijon ajo.
“Kur dikur një student i modës mund të hulumtonte historinë dhe traditat e një artikulli të veçantë veshjeje me kujdes dhe respekt, tani kemi një botë ku imazhet hiqen nga bibliotekat e imazheve pa u kujdesur për rëndësinë e tyre kulturore. Është më e lehtë se kurrë të vjedhësh një motiv ose një teknikë artizanale dhe transferojeni atë në një pjesë të veshjes që prodhohet në masë ose shfaqet në një pistë pa kredi apo kompensim për komunitetet e tyre origjinale.”
Dija ka rëndësi. Sa njerëz të bardhë që mbanin bukë (përshëndetje, Kim Kardashian dhe Katy Perry) e dinë se, në Afrikën e shekullit të 15-të, flokët ishin një mënyrë për të dalluar moshën, fenë, gradën shoqërore dhe statusin martesor të një personi; ajo gërshetim mori orë, madje ditë për t’u përfunduar dhe ishin kohë lidhjesh të mëdha; apo se, gjatë tregtisë së skllevërve, rruheshin kokat, duke u hequr popujve afrikanë jo vetëm flokët, por edhe identitetin e tyre? Sa frekuentues të festivalit janë të vetëdijshëm se veshjet e lplës amerikane vendase janë bërë nga pendët e shqiponjës, simbol i Shpirtit të Madh, që u jepen atyre që i veshin vetëm kur kanë bërë diçka të rëndësishme për komunitetin? Sa e dinë se bindi, një tjetër i preferuar i festivalit, mendohet se rrit fuqinë e syrit të tretë, duke lehtësuar aftësinë e dikujt për të hyrë në mençurinë e tyre të brendshme ose guru.
Dhe sa do ta dinin se në të kaluarën – madje edhe tani – krijuesit e këmishave, mbulesave të kokës, bindive, do të ishin persekutuar për veshjen e tyre? Në një dokumentar të BBC Stories të vitit 2018, Përvetësimi kulturor: Problem i kujt është? e intervistuarja Ayesha thotë: “Kur je pjesë e një shoqërie që të ka thënë se si dukesh është e gabuar, që dikush në atë shoqëri të thotë më pas, ‘mirë, do ta bëj sepse është në modë dhe është muzikë. Festivali, kështu që kush kujdeset’, është shumë injorant për njerëzit që u është dashur të kalojnë nëpër ato gjëra.”
I intervistuari Karisha shton: “Kur një grup racor në historinë e tyre ka marrë nga një grup tjetër racor, dhe më pas në të ardhmen, vesh të njëjtat gjëra, është si një shuplakë në fytyrë”.
Antropologia kulturore Sandra Niessen ka hulumtuar thurjen indoneziane Batak për më shumë se 40 vjet. Në vitin 2020, ajo shkroi një punim të quajtur Moda.
Frymëzuar nga koncepti i “zonës së sakrificës”, Niessen gërmoi thellë në themelet koloniale të industrisë, duke shkuar përtej faktit nëse modelet e zeza u përfshinë në një shfaqje të pasarelave në një eksplorim të mënyrës se si traditat e popujve indigjenë janë plaçkitur në të njëjtën kohë dhe të fshira.
“Zonat e sakrificës janë toka të pasura me burime, përgjithësisht të lidhura me komunitetet minoritare që konsiderohen të pazëvendësueshme dhe të shfrytëzuara për përfitime ekonomike,” shpjegoi Niessen në letër.
“Në vend të peizazheve fizike të harxhueshme, zonat e sakrificës së modës janë tradita të veshjes dhe krijuesit e tyre, të lidhur me ‘gjysmën tjetër’ të modës, që shkatërrohen për dhe nga zgjerimi i modës industriale. Këto zona lehtësojnë zgjerimin industrial sepse janë burim të punës së lirë dhe gjithashtu dizajnit indigjen (zakonisht i përvetësuar) i rëndësishëm për ndryshimin e stilit.”
Ky katalog padrejtësish vazhdon: “Këto zona sakrifice shërbejnë gjithashtu si tregje kur veshjet indigjene zëvendësohen me veshjet e prodhuara në mënyrë industriale. Së fundi, ato janë vendet kryesore të depozitimit të mbetjeve, duke përfshirë veshjet e përdorura.” Punimi është një kritikë e ashpër e sistemeve të qëllimshme të pabarazisë së modës dhe mbetet thelbësore për ata që kërkojnë të adresojnë çekuilibrat kulturore.
“Të gjithë popujt kudo e marrin frymëzimin nga gjetkë,” thotë Niessen, me email nga shtëpia e saj në Holandë.
“Problemi është hierarkia, me dizajnerët në krye dhe veshjet indigjene në fund, që duhen plaçkitur, por nuk pranohen. Sistemi është i shtrembër, jo puna krijuese e stilistëve në vetvete. Për të rekrutuar njerëz indigjenë për të bërë të njohura modën luksoze. aftësitë e tyre, por jo e drejta e tyre për sistemet e tyre të veshjeve. Dhe të reduktosh sistemet e tyre të veshjeve në dizajn dhe aftësi është t’i bësh një dëm thelbësor; është një formë fshirjeje. Të punosh brenda sistemit të modës është problemi, jo procesi emocionues i kontakt kulturor”.
Çfarë do të dëshironte të shihte ajo? “Biznesi i modës mbështet nevojat dhe dëshirat e krijuesve indigjenë të veshjeve dhe jo anasjelltas,” thotë ajo.
“Të vendosësh “ata” të parët do të ishte një rikthim, ndoshta ringjallje, e sistemeve “të tyre”. Është koha për të pyetur se çfarë mund të bëjë moda për ta, jo çfarë mund të bëjnë për modën. Ata kanë nevojë për mundësinë që të jenë në gjendje të jetojnë Ata kanë nevojë për rigjallërimin e tokave të tyre, për respektimin e sistemeve të tyre, për vetëvendosje. Ata kanë nevojë për ajër të pastër dhe ujë të pastër. Borxhi ynë ndaj shëndetit të tyre dhe mënyrës së tyre të jetesës as që mund të llogaritet.”
Çështjet e respektit dhe shqetësimit për kulturat e tjera për të cilat punimi i Niessen është një shprehje kaq e nuancuar janë bërë më të theksuara në një botë që ende po lufton me një pandemi globale, e tronditur nga gjumi nga Black Lives Matter dhe e dëmtuar përtej njohjes nga vetë ngrohja globale të shkaktuara drejtpërdrejt nga konsumi. Brenda këtij konteksti, shumë po pyesin nëse modeli nxjerrës i rritjes së pafundme, i lindur nga një histori e shfrytëzimit kolonial, është gjithçka që duhet të jetë; nëse, në të gjitha këto çështje, mund të jetë në të vërtetë një nga mënyrat më të këqija për të ecur përpara. Vëmendja po kthehet, me një përulësi të përtërirë, te praktikat indigjene, të provuara dhe të testuara për mijëvjeçarë, për administrimin e Tokës.
Dhe po kthehet tek ajo që praktikat e tjera të organizimit të komuniteteve, të shkëmbimit të aftësive dhe të prodhimit të veshjeve mund të kenë të ofrojnë si alternativa ndaj industrisë së modës perëndimore hiper-industriale, hegjemoniste.
“Lëvizja “Jetët e Zezakëve kanë rëndësi ka çuar në një] riorganizim dhe riedukim masiv, dhe një kuptim se si e kaluara jonë koloniale dhe ndërtimi i perandorisë u ndërtuan mbi shfrytëzimin e njerëzve dhe vjedhjen e tokës dhe burimeve indigjene,” thotë Blanchard.
“Ka një ndërgjegjësim të ri për pabarazitë kulturore dhe pabarazitë brenda industrisë së modës, ku një fustan prej mijëra paundësh është bërë nga punëtorët e rrobave që nuk paguhen për të jetuar, ose ku një motiv është marrë nga trashëgimia kulturore e tekstilit të një komuniteti pa leje.”
Një vizion i përbashkët
Gjithnjë e më shumë, industria po pyet veten: cilat janë sistemet e reja që mund të na çojnë në të ardhmen? Dhe cilat janë mënyrat e punës midis kulturave që sigurojnë që secila palë të përfaqësohet dhe të njihet në mënyrë adekuate?
“Që të ekzistojë bashkëpunimi kulturor, duhet të krijohet një vizion i përbashkët,” mendon Kerry Bannigan, drejtor ekzekutiv i Fondit të Impact Fashion.
“Udhëheqja kolektive bashkëpunuese është e nevojshme së bashku me vlerësimin e të gjitha proceseve në projekt. Dizajnerët dhe markat duhet të kuptojnë se ata kanë një përgjegjësi për të vlerësuar aftësitë që sjellin koleksionet e tyre në jetë dhe se kërkohet mbështetje në të gjithë zinxhirin e vlerës dhe modës komuniteti globalisht.
Grupet po punojnë shumë për të adresuar çekuilibrat. Iniciativa për të Drejtat e Pronësisë Intelektuale Kulturore (CIPRI), e themeluar nga Monica Moisin, lidh dizajnerët me artizanët tradicionalë të tekstilit brenda një kuadri që siguron që prona intelektuale kulturore e artizanëve të respektohet me atë që CIPRI përshkruan si “tre C-të”: pëlqimi, kreditimi, dhe kompensim. Ndërkohë, projekti Crafting Futures Community Couture i Këshillit Britanik bashkon stilistë nga kultura të ndryshme për të krijuar veshje bashkëpunuese që mund të merren me qira. Burimet dixhitale kapin evolucionin e veshjes, duke u siguruar që historia e saj e plotë, përtej asaj fizike, të tregohet.
“Kjo është e ardhmja e zanatit dhe komunitetit, ku projekte si ky lejojnë që teknikat të evoluojnë dhe të jenë të rëndësishme për brezat e rinj në një frymë shkëmbimi të barabartë.”
Ndërsa në një botë të papërsosur, asnjë shembull nuk është i përsosur, disa stilistë po afrohen.
“Dizajneri indonezian Toton Januar, një nga dizajnerët në rezidencën e Bienales, ka një shkëmbim shumë të respektueshëm me artizanët indonezianë, duke e sjellë zanatin e tyre në modën bashkëkohore, ndërsa puna e tyre kompensohet mjaft,” ofron Blanchard.
“Përmes markës së saj, Anciela, Jennifer Droguett përzien trashëgiminë dhe folklorin e saj kolumbian me rrobaqepësinë tradicionale britanike për të krijuar gjuhën e saj sartoriale”.
Kompania etiopiane e tregtisë së ndershme Sabahar dhe endësit e tekstilit Maraki së bashku marrin dhe prodhojnë pëlhura për etiketën e modës së ngadaltë Welana, duke përdorur teknika tradicionale të thurjes.
“I gjithë koncepti ynë sillet rreth hedhjes së dritës mbi bukurinë e artit etiopian dhe fuqizimit të komunitetit përgjegjës për të.”
Dizajneri fitues i çmimeve siriano-britanike dhe drejtuesi i kursit në Kolegjin e Modës në Londër, Nabil El Nayal, u ftua të zhvillonte një lloj të ri qëndisjeje me refugjatët që jetonin në kampin e refugjatëve Za’atari, një thurje që simbolikisht do të lidhte Sirinë me Za’atari. “I gjithë planifikimi, përfshirë punëtoritë dhe prezantimet doli nga dritarja sapo takuam gratë”, tha El Nabal.
“Duhet të arrish të kuptosh të padukshmen, të dëgjosh të padëgjueshmen dhe të shohësh zgjidhjet e problemeve kur ato lindin. Gratë me të cilat punuam kishin gamën më të pabesueshme dhe të larmishme të aftësive. Ne u bëmë studentet që do të vazhdonin për të mësuar prej tyre”. Projekti synon të ndihmojë në mbështetjen e zhvillimit të një biznesi të vetë-qëndrueshëm për gratë, të cilat tashmë janë përballur me sfida të pamatshme.
Në vitin 2018, pasi iu dha Fondi Ndërkombëtar i Zhvillimit të Artistëve nga Crafting Futures, artistja dhe stilistja e tekstileve Ellen Rock u ftua të punonte me Qendrën e Zhvillimit të Grave Janakour (JWDC) në Mithila në Nepal, në ultësirën e Himalajeve. Që në fillim, qasja e saj ishte e kujdesshme dhe e konsideruar, së pari duke kaluar dy muaj si artiste në banesë, duke vëzhguar dhe zhytur veten në art, për të krijuar një platformë besimi dhe një themel për bashkëpunim.
“E pyeta qendrën se çfarë mund të donin të mësonin nga praktika ime, çfarë mendonin se u mungonte dhe çfarë mund të donin të ndanin me mua,” thotë ajo.
“Nga kjo, ne zhvilluam një plan punëtorie ku mund të shkëmbenim aftësi dhe njohuri të cilat gradualisht na çuan në zhvillimin e tekstilit.
Printerët e ekranit printonin dizenjot origjinale të Rock-ut, përpara se qëndisësit dhe piktorët e dorës të shtonin detaje sipër.
“Puna ime fokusohet në simbolet grafike si komunikim, ndërsa arti Mithila është i rrënjosur në identitetin kulturor si pjelloria, feja, dashuria dhe së fundmi, aktivitetet e përditshme si ecja me biçikletë në punë, zotërimi i një telefoni celular dhe puna si artist,” thotë Shkëmbi. Një nga printimet, i titulluar Eye See You përmban një ilustrim të kombinuar të një cikli ditor me ilustrimet e nënshkrimit të Rock-ut, duke integruar duart Mithila – një motiv kyç në veprën e vetë Rock-ut – të stolisur me tatuazhe dhe duke shfaqur interpretimin e printimit me qëndisje.
“Ellen na tregoi se si t’i zbatonim modelet tona në rroba dhe tekstile; ajo gjithashtu na ndihmoi të krijonim shumë dizajne të reja,” thotë një nga artizanët, Madhumala Mandal.
Rock dhe artizanët shpenzuan kohë duke menduar për aftësinë më të dobishme që mund të shkëmbehej dhe që kishte jetëgjatësi.
“Qendra donte të zhvillonte një produkt, si për të aplikuar dizajnet e tyre, por edhe për të gjeneruar të ardhura”, thotë Rock.
“Ne vendosëm të fokusohemi në produkte, të tilla si arna ose çanta të qëndisura, që mund të riprodhohen, jo vetëm me dizajnet tona të përbashkëta, por me modele origjinale Mithila.”
Ideja ishte të krijohej një transferim njohurish që do të zgjaste shumë pasi Rock të largohej.
Rock shton: “Përvetësimi zakonisht përfshin heqjen e origjinës dhe trashëgimisë, dhe një ri-qëllim në një mënyrë që përfiton vetëm kompaninë fundore. Pa dialog, kjo mund të çrrënjosë mençurinë dhe trashëgiminë e lashtë, ndërsa gjithashtu heq rrjedhat e të ardhurave dhe mjetet e jetesës. Duhet një bashkëpunim lidhje autentike, e krijuar gjatë javëve ose muajve. Por, unë besoj se, nëse projektuesit vendosin ndikime të matshme që përfshijnë dhe konsultojnë drejtpërdrejt grupet artizanale, bashkëpunimi mund të jetë një mjet i fuqishëm përforcimi dhe ruajtjeje. Në fund të fundit, në zemër të bashkëpunimit është besimi thelbësor nga të dyja palët se rezultati është më i fortë.”
Për El Nayal dhe Rock, bashkëpunimi kulturor mbetet një burim i pasur jo thjesht frymëzimi, por barazie dhe ribalancimi global.
“Qasja ime ndaj modës ka të bëjë me përplasjen e kulturave, të shkuara dhe të tashme, të largëta dhe të afërta. Ne po jetojmë në kohë gjithnjë e më të polarizuara dhe puna ime mund të flasë për këtë duke kërkuar lidhje përmes mediumit të modës; duke ndjekur një rezultat shumë bashkëkohor, duke ruajtur veshjen tradicionale siriane dhe historinë e tekstilit”, thotë El Nayal.
“Por puna me komunitetin duhet të jetë reciprokisht e dobishme. Unë jam i prirur të mbroj trashëgiminë tonë të kombinuar dhe identitetin kulturor. Kultura jonë e pasur e tekstilit shkon prapa shumë shekujsh dhe është e rëndësishme të sigurohemi se do të vazhdojë edhe për shumë të tjerë.”